<<<     ΛΛΛ     >>>   

Самого полного выражения дух Возрождения достиг в художественной культуре. Искусство стало рассматриваться как отрасль знания, ценного своей собственной истиной, способного дать человеку образы Бога и его созданий, постичь положение человека во Вселенной. В руках гения, подобного Леонардо да Винчи, оно было даже наукой, средством для исследования природы и фиксации открытий. Искусство должно было базироваться на наблюдении видимого мира и осуществляться согласно математическим принципам равновесия, гармонии и перспективы, которые были развиты в это время. Достоинство человека нашло выражение в искусстве в работах поэтов Данте и Петрарки, писателя Боккаччо, живописцев Джотто, Мазаччо, братьев Лоренцетти, Фра Анджелико, Боттичелли, Перуджино, Пьеро делла Франческа, Рафаэля и Тициана; скульпторов Пизано, Донателло, Вероккио, Гиберти и Микеланджело; архитекторов Альберти, Брунеллески, Палладио, Микелоццо и Филарете.
«Возрождение» искусства в Италии было связано с переоткрытием древней философии, литературы и науки, с развитием эмпирических методов получения знаний. Классическая наука предлагала познавать мир путём прямого наблюдения, изучения природы. Следовательно, для художников становились всё более важными светские темы. Знакомство с античностью предложило новый репертуар сюжетов — из греческой и римской истории и мифологии. Принципы, заложенные в античных зданиях и различных произведениях искусства, вдохновляли на развитие новых художественных методов, пробуждали желание обновить формы и стили искусства.
Главным для развития искусства Возрождения было появление художника как творца, востребованного и уважаемого за его талант и образованность. Искусство также стало ценимым — не просто как средство религиозной и социальной дидактики, но всё больше как способ личного эстетического выражения.
Процесс развития итальянского искусства Возрождения традиционно делится на четыре главных стадии: Проторенессанс (Предвозрождение), раннее, высокое и позднее Возрождение. Иногда их называют по первым двум цифрам годов, входящих в соответствующие века — 13, 14, 15, по итальянски треченто, кватроченто, чинквеченто.

В Италии собственно Возрождению предшествовал в конце XIII и начале XIV (треченто) столетий «проторенессанс», который опирался на идеи францисканского богословия. Св. Франциск критиковал схоластику и формальное благочестие преобладавшего тогда христианского богословия и выступил с похвалой красоты бедности и духовной ценности природы.
Творчество самого известного художника периода проторенессанса, Джотто (1266/67 или 1276-1337), демонстрирует новый живописный стиль. Он характеризовался ясной, простой структурой и глубоким психологическим проникновением; это резко отличалось от плоской, линейной декоративности и иерархических композиций его предшественников и современников, таких, как флорентийский живописец Чимабуэ и сиенские художники Дуччо и Симоне Мартини.
Приблизительно в то же самое время, что и Джотто, жил великий поэт Данте. Его поэзия показывает пристальное внимание к внутреннему миру человека, к тонким оттенкам и движениям человеческой души. Хотя его «Божественная Комедия» сюжетными и стилевыми особенностями и идеями принадлежит Средневековью, её субъективный дух и мощь выражения предвещают Возрождение. Проторенессансу принадлежат также Петрарка и Боккаччо, которые изучали латинскую литературу, но писали не на латыни, а на родном языке.

Термин «Раннее Возрождение» характеризует фактически всё искусство XV столетия (кватроченто). В ходе осуществления идей гуманизма развернулась работа по обнаружению истинных законов пропорций в изображении человеческого тела, в архитектуре, в систематизации представлений изображаемого пространства. Основные представители первого поколения художников Возрождения — скульптор Донателло, архитектор Филиппо Брунеллески и живописец Мазаччо — имеют много общего. Главным в их взглядах было: вера в теоретические основы искусства; убеждение, что развитие и прогресс не только возможны, но и существенны в жизни; признание значимости искусства. Древнее искусство почиталось не только как вдохновляющая модель, но также и как память об испытаниях и ошибках, как сокровищница достижений великих художников прошлого.
Эти художники были тонкими наблюдателями природных явлений. Они стремились из отдельных явлений экстраполировать общие правила. В то же время они избегали прямого копирования природы, старались придавать произведению искусства идеальные, неосязаемые качества, наделяя изображаемые объекты большей красотой и более постоянным значением, чем в реальной  действительности. Данные характеристики — представление идеальных форм, а не буквальных явлений, понимание физического мира как средства для передачи или несовершенного воплощения монументальной духовной красоты — фундаментальны для характера и развития искусства итальянского Ренессанса.
Основателем живописи Возрождения был Мазаччо (1401-28). Интеллектуальность его концепций, монументальность его композиций и высокая степень реализма его работ делают Мазаччо основной фигурой в живописи Ренессанса.
Флоренция, колыбель возрожденческой художественной мысли, оставалась одним из ведущих центров новаторства. Ситуация во Флоренции была уникально благоприятна искусствам. Гражданская гордость флорентийцев нашла выражение в статуях святых покровителей, помещённых Гиберти и Донателло в нишах на бирже зерновой гильдии, известной как Ор Сан Микеле, и в самом большом со времён античности куполе, возведённом Брунеллески на Флорентийском соборе. Стоимость строительства и художественного оформления дворцов, церквей и монастырей была гарантирована богатыми торговыми семействами, возглавлявшимися семейством Медичи. Медичи торговали со всеми главными городами в Европе; один из самых известных шедевров Северного искусства Возрождения, «Алтарь Портинари» Хьюго ван дер Гоэса (ок. 1476), был заказан их агентом Томмазо Портинари. Работа написана не темперой, как было тогда общепринято, а масляными красками — прозрачными, стекловидными. Они дают глянцевую поверхность и яркий, как бы светящийся цвет. Считается, что именно этот алтарный триптих впервые показал итальянским живописцам возможности масляной живописи.
Около 1450 г. во Флоренции выдвинулось новое поколение художников, включавшее таких мастеров, как Пьеро делла Франческа, Поллайоло, Вероккьо и Сандро Боттичелли. Они сделали упор на дальнейшее исследование линейной и воздушной перспективы и анатомии, развивая стиль научного реализма. Начали конкурировать в художественном  новаторстве с Флоренцией другие итальянские города — Милан, Урбино, Феррара, Венеция, Падуя, Неаполь. Работы Леона Баттиста Альберти в Римини и Мантуе представляли архитектуру нового гуманизма; картины Андреа Мантенья в Падуе демонстрировали передачу линейной перспективы, реалистическую технику и понимание античности; поэтический классицизм Джованни Беллини показывал силу венецианской школы.
К концу XV столетия дерзкая новизна первых новинок стиля Ренессанса сменилась общим принятием таких основных понятий, как пропорция, контрапост (contraposto — перекрёстная поза) и линейная перспектива.

Стиль Высокого Возрождения просуществовал только краткое время (ок. 1495-1520 гг.) и был создан несколькими гениальными художниками: Леонардо да Винчи, Донато Браманте, Микеланджело, Рафаэлем и Тицианом.
В живописи стиль Высокого Возрождения завершает поиски XV века (кватроченто), когда высшей целью было достижение равновесия и гармонии. Движение важно и необходимо, однако всегда имеется фокус, точка отдыха для глаз. Композиция самодостаточна, она соответствует определению красоты, данному Альберти: «такая гармония частей, к который ничего нельзя добавить или убрать, не уничтожая целое». Движение подразумевается в позах фигур, но это движение всегда благородно, оно создаёт впечатление спокойствия. Стиль разнообразен и богат, но вместе с тем утверждает простоту и единство. По спокойствию и монументальности его часто сравнивают с греческим искусством V столетия до н.э.
Леонардо — образцовый пример ренессансного мыслителя («универсального человека»). Он увлечён всеми видами экспериментов, и от этого его искусству присущ дух беспокойного поиска: художник-исследователь стремится обнаруживать законы, управляющие природными явлениями. Он напряжённо исследовал анатомию человека, природу полёта птиц, структуру растений, жизнь животных. Всё это оставляло ему для живописи очень мало времени, но Леонардо был признан современниками как великий художник. Его известность опирается на немногие законченные работы; среди них – «Мона Лиза» (1503-05) и полуразрушенная «Тайная вечеря» (1495-98).
Незаконченное «Поклонение волхвов» Леонардо да Винчи (1481) является первым образцом единой живописной композиции, реализованной затем полностью во фреске «Тайная вечеря» (1495-97 гг.). «Мадонна в скалах», нежное видение младенца Христа и Иоанна Крестителя с их матерями, была написана Леонардо ок. 1500 г. Работа иллюстрирует его стиль светотени, где виртуозное сочетание света и теней создаёт эффект объёмности.
Микеланджело, напротив, символизировал художника, одарённого необъяснимым, уединённым гением. Он излучал творческую мощь. Шедевры Микеланджело вдохновлены человеческим телом как совершенным средством для выражения эмоций. Ранние скульптуры Микеланджело, как «Пьета» (1499) и «Давид» (1501-04), показывают потрясающее умение использовать пространственную форму, пропорции и законы анатомии для достижения величайшей выразительности. «Давид» Микеланджело, великолепная мраморная статуя высотой 5,4 м., мощно выражает идею человеческой красоты и духовности. Хотя Микеланджело считал себя прежде всего скульптором, его самая известная работа — гигантская фреска на сводах Сикстинской капеллы в Ватикане. Она была написана за четыре года, с 1508 до 1512. Это невероятно сложная, но философски единая композиция. Произведения Микеланджело, в том числе гробница Юлиуса II (ок. 1510-15), часовня Медичи (1519-34), росписи сводов (1508-12) и Страшный Суд (1536-41) в Сикстинской капелле, купол собора Святого Петра (начат в 1546), считаются непревзойдёнными достижениями скульптуры, живописи и архитектуры.
Рафаэль, человек совершенно иного темперамента, образами Мадонн и великолепными фресками вызывал чувства не подавляющей силы, но возвышенной гармонии и лирической, изящной красоты. Его работы точно выражали дух классической античности. Самая большая работа Рафаэля, «Афинская школа» (1508-1511), была создана в Ватикане, в то же самое время, когда Микеланджело расписывал Сикстинскую капеллу. В этой большой фреске Рафаэль примирял представителей аристотелевской и платонических философских школ. Вместо плотно населённого, бурного шедевра Микеланджело, Рафаэль поместил свои группы спокойно разговаривающих  философов и художников в обширный дворец с анфиладой уходящих вдаль сводчатых залов.  Рафаэль поначалу находился под влиянием Леонардо, он использовал красиво моделированные лица «Мадонны в скалах» во многих из собственных образов Мадонны. Однако, в противоположность Леонардо, у него была потрясающая продуктивность. Рафаэль предпочитал классическую гармонию и ясность.
Стилю Высокого Возрождения следовали и другие художники: Андреа дель Сарто и Фра Бартоломео во Флоренции, Корреджо в Парме, Джованни Беллини, Джорджоне и Тициан в Венеции. Наиболее прославлен из них Тициан.

Тициан Вечеллио, или Тициан (1488-1578) — крупнейший ренессансный живописец Венеции XVI века (чинквеченто), основатель венецианской колористической живописной традиции. Он считается одним из самых блестящих и влиятельных мастеров, входит в число ключевых фигур в истории западного искусства. Его творчество, которое постоянно влияло на развитие европейской живописи, представляло своеобразную альтернативу линейной и скульптурной флорентийской традиции, созданной Микеланджело и Рафаэлем. Эта альтернатива, не менее мощная и привлекательная, была полностью и страстно принята Питером Паулем Рубенсом, Диего Веласкесом, Рембрандтом, Эженом Делакруа и импрессионистами, она еще жива и сегодня. Многие картины Тициана достигают высшего уровня человеческих возможностей в живописи.
Тициану могут быть достоверно приписаны около 400 сохранившихся до наших дней картин, и известно, что в течение своей чрезвычайно длинной и плодотворной карьеры он написал  множество других, ныне утраченных холстов.
Почти всю свою жизнь, за исключением множества коротких поездок в другие города, Тициан работал в Венеции. Он учился у известных живописцев Джентиле и Джованни Беллини, однако его стиль сложился в основном под влиянием Джорджоне. Молодой Тициан полностью освоил колористику и технику мазка Джорджоне его и возвышенное, поэтическое видение пейзажа и живописных фигур. Поэтому до сих пор продолжаются дебаты по атрибуции картин, когда возможно или сотрудничество между старшим Джорджоне и молодым Тицианом, или полная принадлежность одному или другому.
Уже при жизни Тициан был признан как великий живописец. Художественный критик Джованни Ломаццо в 1590 году объявил его «солнцем среди малых звезд не только среди итальянцев, но и всех живописцев мира». Гениальность Тициана не подвергается сомнению и сегодня. Он был велик во всех аспектах искусства живописи. В портретах он блестяще проникал в человеческий характер. Его религиозные композиции охватывают полный диапазон эмоций, от обаяния его юных Мадонн до трагических глубин последнего «Распятия» и «Положения во гроб». В основе культуры Ренессанса лежит возрождение культуры древнего мира в искусствах и в литературе; вдохновленный поэзией Овидия, Катулла, Теокрита, Тициан новаторски возродил легенды о Греции и Риме в ряде несравненных живописных шедевров. В картинах на мифологические сюжеты он передал веселье и энергию древнего языческого мира; его образы обнажённой Венеры («Венера и Адонис») и Данаи («Даная с няней») устанавливают стандарт телесной красоты и роскошного эротизма, который никогда не был превзойдён. Другие великие мастера — например, Рубенс и Никола Пуссен — порой имитировали его приёмы.
Создателем архитектуры Высокого Возрождения был Донато Браманте (1444-1514), который приехал в Рим в 1499, когда ему было 55 лет. Римский папа Юлий II (правил в 1503-13) назначил Браманте папским архитектором, и они вместе разработали план замены старого (IV столетия) собора св. Петра новым храмом гигантских размеров. Строительство собора было завершено лишь многие годы спустя после смерти Браманте с участием Микеланджело.

Главным водоразделом в развитии искусства итальянского Ренессанса был захват Рима германскими войсками в 1527 г. и его разграбление. Город на какое-то время перестал быть покровителем искусств, и художники разъехались по городам Италии, Франции и Испании.
Ещё перед смертью Рафаэля (1520) в римском искусстве начали проявляться антиклассические тенденции. Трения между христианской верой и классическим гуманизмом в конце XVI столетия (чинквеченто) привели к стилю, называемому маньеризмом.
Маньеризм характерен для периода между Ренессансом и барокко (ок. 1520 — ок. 1570).  Это не было художественное движение с определёнными принципами или бунт против предшествовавших стилей. Напротив, маньеризм их как бы продолжал — и даже утрировал. Образцы совершенной манеры, или «стиля», современники находили у Микеланджело и Рафаэля. Более поздние художники, подражая их достижениям, начали ценить виртуозность не как средство представления природы, но как самоцель. Маньеризм высоко ценил рафинированное изящество и элегантность — красивую манеру» (maniera), откуда и произошло название стиля.
К XVII веку слово стало уничижительным. Советские искусствоведы писали даже о разрушительном воздействии маньеризма на искусство.
Сегодня о маньеризме часто пишут, что это стиль, который акцентировал технические навыки и причудливые эффекты и вместе с тем отступил от стандартов классического искусства. Важным критерием художественных достижений стала демонстрация виртуозности, даже самореклама. Художники-маньеристы часто использовали приёмы, которые первоначально имели свои выразительные функции, и применяли их непривычно, так, чтобы демонстрировать своё мастерство. Изящество этого стиля и его тенденции абстрагироваться от природы часто порождали работы исключительной красоты (например, «Мадонна с длинной шеей» Пармиджанино и «Мертвый Христос с ангелами» Россо Фьорентино).
Маньеризм возник в Риме, но быстро распространился по всей Италии в работах Джулио Романо и Перино Де Вага. У истоков маньеризма были живописцы Якопо Каруччи Понтормо, Пармиджанино и Россо (Россо Фьорентино). Россо (Россо Фьорентино) уехал из Рима в 1530 г., получив приглашение оформлять дворец Фонтенбло; он принёс стиль во Францию. К 1540 году маньеризм стал европейским явлением. Он оставался преимущественно итальянским стилем, но Жан Гужон развил непосредственно французский маньеризм, а в Нидерландах Хендрик Гольтциус приспособил его к фламандской традиции. В северной Европе Альбрехт Альтдорфер примирил маньеризм с поздним готическим искусством.
Влияние маньеризма часто заметно в творчестве живописцев, которые не принимали его искренне. Сюда относятся Якопо Понтормо,  Тинторетто и эль Греко.
Маньеристская скульптура достигла пика виртуозности в бронзовых фигурах Джованни да Болонья и Бьенвенуто Челлини.
Характерная для маньеризма любовь к художественному оформлению, оторванному от функции, и восхищение неисчерпаемой изобретательностью характеризуют итальянскую архитектуру середины XVI столетия (чинквеченто). В работах Джорджо Вазари и Бартоломео Амманати (Флоренция, 1550-60-е гг., дворцы Уффици и Питти) использованы элементы классической архитектуры для неожиданных декоративных эффектов, безотносительно к их первоначальному назначению. Самого яркого выражения маньеризм достиг в творчестве Джорджо Вазари и Джованни да Болонья.
В то же время в северной Италии и в северной Европе продолжали создаваться великие произведения искусства, вдохновляемые духом Ренессанса. По-видимому незатронутые кризисом маньеризма, северные итальянские живописцы типа Корреджо (1494-1534) и Тициана (1488/90-1576) продолжали без видимых конфликтов воспевать и Венеру, и Деву Марию. Техника масляной живописи, введённая в северной Италии Антонело да Мессина и быстро принятая венецианскими живописцами, которые не могли использовать фреску из-за влажного климата, оказалась особенно подходящей к жизнерадостной, любящей удовольствие культуре Венеции. Череда блестящих живописцев — Джованни Беллини, Джорджоне, Тициан, Тинторетто Веронезе — развивала лирический венецианский стиль живописи.

5.5.5. Музыка Возрождения

Музыка Ренессанса отличалась от стиля позднего Средневековья, который ей предшествовал, бльшим мелодичным и ритмичным единством, увеличенным диапазоном и структурой, подчинением гармоническим принципам. После 1500 г. этот интегральный стиль, создавший свои собственные вокальные и инструментальные идиомы, под влиянием гуманизма все более и более направлялся на выражение текстов. Сикстинский хор, который пел во время папских служб, притягивал музыкантов и певцов из всей Италии и северной Европы. Среди самых известных композиторов, которые работали в нём, были Жоакин Депре (1445-1521) и Палестрина (1525-84).
С 1600 в гармонии стала доминировать полифония, и инструментальная музыка была освобождена от форм и стилей вокальной музыки. С этого времени музыкальный стиль Ренессанса был оттеснён новым стилем — барокко.

5.6. Северное Возрождение

 В течение XV столетия памятники и философия античности были признаны в Европе классикой. Чтобы их изучать, в Италию приезжали студенты из многих европейских стран. Поэтому гуманизм распространился на север от Альп во все страны западной Европы. Итальянской художественной культуре, даже одежде итальянцев и дизайну мебели, подражали во Франции, Испании, Англии, Нидерландах и Германии. Изобретение книгопечатания создало условия для распространения грамотности и широкого распространения античных текстов.
Первыми среди северных гуманистов были Эразм Роттердамский (Дезидериус Эразмус) в Нидерландах и Джон Колет (около 1467-1519) в Англии. «Похвала глупости» (1509) Эразма Роттердамского воплощала мораль гуманизма с её требованиями искренней религиозности и нравственности в противоположность формальному благочестию. Однако на севере ценности Ренессанса были преобразованы. Когда северные гуманисты применяли разработанные в Италии критические методы к изучению Нового Завета, они закладывали первые камни в фундамент религиозной Реформации. Интеллектуальный подъём, осуществлённый северными гуманистами, подготовил Реформацию.
Художники северной Европы в XV столетии мало обращались к античным источникам и не выказывали склонности к разработке теорий живописи, которые был характерны для итальянского искусства. Ян ван Эйк, выдающийся мастер нидерландской школы, первым  сумел полностью раскрыть потенциал новой техники масляной живописи. В его шедеврах «Гентский алтарь» (1432) и в портретах, например, свадебном портрете Джованни Арнольфини и его жены (1534), эта техника используется с предельной изощрённостью для передачи мелких подробностей, тонких структур и световых эффектов.
Рогир ван дер Вейден, известный портретами и алтарными образами типа «Снятия с Креста» (1439-43), работал в более идеалистическом русле, придавая своим композициям монументальность и эмоциональную интенсивность.
Вполне соответствуют духу Ренессанса работы Хьюго ван  дер Гоэса, работавшего в Генте и Брюгге. Его «Алтарь Портинари» (1474-76), написанный для флорентийской церкви Сан Эджидьо, знакомит итальянских художников с живым реализмом нидерландской техники  масляной живописи.
Ближе по духу флорентийцам кватроченто был немецкий живописец Альбрехт Дюрер (1471-1528), который экспериментировал с оптикой и изучал природу. Посредством гравюр на меди и на дереве Дюрер распространил свой мощный синтез Ренессанса и стилей северной готики на западный мир. Гуманизм стал принципом творчества художников Ганса Гольбейна Младшего (1497-1543), Лукаса Кранаха Старшего (1472-1553).
Испытала влияние гуманизма немецкая литература. Её выдающимся представителем был Иоганн Рейхлин (1455-1522), создатель знаменитого сатирического памфлета «Письма темных людей».  Широко известны были Ганс Сакс (1494-1576), автор назидательных басен, песен, шванков, драматических произведений, и Иоганн Фишарт (1546-1590) — памфлетист, последний представитель немецкого Возрождения.
Не остались в стороне и другие страны Европы.
В Испании стали популярны рыцарские и плутовские романы, своеобразным эхом которых стал великий «Дон-Кихот» Мигеля де Сервантеса (1547-1616). Лопе де Вега (1562-1635) написал более чем 1800 драм, в том числе «Собаку на сене», «Учитель танцев». В живописи работали Эль Греко (1541-1614) и Диего Веласкес (1599-1660).
Во Франции в начале XVI в. Франсуа Рабле (1494-1553) создал сатирический роман «Гаргантюа и Пантагрюэль». Поэты Пьер де Ронсар (1524-1585) и Жоакен Дю Белле (1522-1566) возглавляли литературное направление «Плеяды». Мишель де Монтень (1533-1592) написал «Опыты» — эссе на философские, исторические, этические темы. В этих очерках развивались идеи гуманизма и рационализма, опытному знанию отдавался приоритет перед схоластикой.
В Англии работал Шекспир.
Особое место занимает живопись голландца Иеронимуса Босха (ван Аакена), чьи образы как бы взяты из галлюцинаций, часто изображают с натуралистическими подробностями адские муки и невероятных монстров.  Когда практически все художники стремились воспевать красоту и благородство человека, такая тенденция как бы плохо вписывается в общий контекст.
В целом радикальное изменение художественных  традиций, которое имело место на севере Европы в течение XV и XVI столетий, безусловно вписывается в рамки Возрождения.

Вопросы для самопроверки

В позднем Средневековье католическая церковь играла важнейшую роль в жизни общества. Она получала свой особый налог — церковную десятину, 10% от всех доходов каждого европейца. Церковь стала крупнейшим земельным собственником, накопила громадные богатства. Дух стяжательства глубоко проник в сознание служителей церкви. Особенно ярко это выразилось в торговле индульгенциями, то есть документами, за деньги отпускавшими грехи. За большую сумму можно было купить прощение (на грядущем Страшном суде, конечно) самого тяжкого преступления. Несоответствие такого положения христианским заветам было очевидно, и авторитет церкви в народе оказался сильно подорван. Назрел настоящий кризис религиозной культуры. В умах людей копилось недовольство церковью, желание что-то изменить. В конце концов это и привело к преобразованиям церкви, к реформам.
Вообще говоря, в европейской истории реформирование христианских церквей проходило постоянно, повсюду. Оно было особенно сильно в XIV и XV столетиях (Ян Гус и гуситы, лолларды, Дж. Уиклифф). Однако большинство протестантов отсчитывает начало своего движения с 1517 года, когда немецкий монах, профессор католического университета в Виттенберге Мартин Лютер предложил для публичного обсуждения 100 тезисов, бросивших вызов римско-католическому учению. Название «Протестантизм» происходит от манифеста "Protestatio", выпущенного реформаторами в 1529 году.
В течение двух десятилетий реформация распространилась на большую часть северо-западной Европы. В Англии король Генрих VIII аннулировал папскую власть над церковью, сам себя провозгласил главой церкви, и англиканская церковь стала по существу протестантской. В Швейцарии, Франции, части Германии, Шотландии и Нидерландах возникло отличное от лютеранского направление церковной  реформы, основателями которого стали изгнанный из Франции Дж. Кальвин и швейцарский проповедник Ульрих Цвингли. Появилось и левое, более радикальное крыло движения.  Анабаптисты, меннониты и другие заново крестили христиан и вовлекали их в движение, которое решительно отбрасывало всю католическую обрядность, чего не делали даже лютеране, кальвинисты и англиканцы.
Реформация распространилась на Скандинавию и центральную Европу, но редко проникала в Россию и юго-восточную Европу, где преобладала православная церковь, а также в южную Европу, которая осталась верна Римско-католической церкви. После ряда религиозных войн с середины XVI до середины XVII столетия большинство протестантов (кроме радикалов) и католиков приняли принцип отделения церкви от государства. Поэтому они пришли к согласию, что религию определенного региона или государства должны определять их правители.
С конца XVIII столетия и по настоящее время протестантские миссионеры распространяют свое учение в большей части мира. Довольно многочисленные общины баптистов образовались в России. Протестантские миссии основаны на берегах Азии и Африки, а недавно и в католической Латинской Америке. Вся Северная Америка (кроме Квебека) была в значительной степени протестантской с 1607 года, когда англиканцы прибыли в Вирджинию, и до конца XIX столетия, после крупномасштабной иммиграции из южной Европы и Ирландии. Активизировались протестантские миссионеры и в послеперестроечной России.
В конце же средних веков реформация стала важнейшим фактором развития западной культуры, фактором изменения менталитета западноевропейцев. Ценности буржуазного строя, индивидуализм, свобода личности, обоснованные протестантской трудовой этикой (см. ниже), нормы гражданского общества, близкие и даже идентичные протестантским ценностям и стандартам, вошли в общественное сознание и стали необходимым условием буржуазных революций. Можно утверждать, что без реформации не было бы и буржуазных революций в Европе.

6.2. Протестантизм

Протестантизм сегодня — влиятельная ветвь западного христианства. Первое его принципиальное отличие от традиционных христианских направлений (католичества и православия): протестанты не признают нисхождения божественной власти и благодати через единственное специфическое общественное учреждение (церковь) или человека (например, римско-католического папу). Источником и нормой учения они считают только Библию — еврейские священные писания (Тора, Ветхий Завет) и Новый Завет. Римско-католическая и православная церкви тоже подчеркивают  авторитет Библии, но они обращаются еще и к традиции, а католики — и к папе римскому как источнику власти.
Признание авторитета Библии не обеспечивает единодушия и согласия всех направлений протестантизма. Одну и ту же Библию разные протестантские конфессии интерпретируют по-разному, что разделило протестантизм на сотни сект. Поэтому сегодня в мире конкурирует по меньшей мере дюжина крупных протестантских  церквей (англиканская, конгрегационистская, методистская, пресвитерианская, лютеранская, баптистская и т.п.). В современном  протестантизме существует диапазон от буквальной  догматической веры в каждое положение Библии на фундаменталистском конце спектра до чрезвычайно свободных её интерпретаций среди либеральных протестантов.
Вторая после веры в Библию отличительная черта протестантизма: убеждение, что люди обретут  спасение не благодаря своим личным достоинствам или хорошему труду, как утверждают православные и католики, не заслужат спасение, но получат его только «по благодати, через веру» как дар. Протестанты верят, что Бог, воплотившись в Иисусе Христе, сам решил спасти мира от греха. Даже религиозная убежденность, которая позволяет людям верить в это активное воплощение, есть божественный дар, а не достижение или заслуга личности. 
Протестантизм напоминает, что согласно Ветхому Завету человечество испорчено грехопадением первых людей. Поэтому никто из людей не обладает преимуществом в толковании Священного писания, а значит, невозможно найти особо праведных людей, достойных быть священниками. Все верующие имеют одинаковые права проповедовать, совершать богослужение, общаться с Богом. По той же причине для протестантов не имеет смысла монашество.

6.2.1. Протестантская трудовая этика

 <<<     ΛΛΛ     >>>   

Возрождение
Лалетин Д. Культурология студента 11 культуры
Культура должна пониматься как сама деятельность
Подключение древнерусской культуры к европейскому культурному пространству существенно ускорило русской развитие