<<<     ΛΛΛ     >>>   

Б»у»лахов! Ты сердце знаешь,
Из него ты извлекаешь
Голос сладостный - души.

На правильность именно такого произношения указывала внучка Петра
Петровича Булахова, Н. Збруева, а также советские историки музыки А.
Оссовский и Б. Штейнпресс.
Петр Александрович Булахов-отец был одним из лучших певцов России
1820-х гг. ...»Это был искуснейший и образованнейший певец, когда-либо
являвшийся на русской сцене, певец, о котором итальянцы говорили, что если б
он родился в Италии и выступил на сцену в Милане или Венеции, то убил бы все
до него известные знаменитости», - вспоминал Ф. Кони. Присущее ему высокое
техническое мастерство соединялось с теплой задушевностью, особенно в
исполнении русских песен. Постоянный участник московских постановок
опер-водевилей А. Алябьева и А. Верстовского, он был первым исполнителем
многих их произведений, первым интерпретатором знаменитой «кантаты»
Верстовского «Черная шаль» и прославленного алябьевского «Соловья».
Петр Петрович Булахов родился в Москве в 1822 г., чему, однако,
противоречит надпись на его могиле на Ваганьковском кладбище, согласно
которой датой рождения композитора следовало бы считать 1820 г. Те скудные
сведения о его жизви, которыми мы располагаем, рисуют картину тяжелую,
безрадостную. Сложности семейной жизни - композитор состоял в гражданском
браке с Елизаветой Павловной Збруевой, которой ее первый муж отказался
предоставить развод, - усугублялись длительной тяжелой болезнью.
«Прикованный к креслу, разбитый параличом, молчаливый, в себя ушедший», в
минуты вдохновения он продолжал сочинять: «Иногда, хотя и редко, отец все же
подходил к роялю и своей здоровой рукой что-то наигрывал, и я всегда
дорожила этими минутами», - вспоминала его дочь Евгения. В 70-х гг. семью
постигло большое несчастье: однажды зимой, под вечер, пожар уничтожил дом, в
котором они жили, не пощадив ни нажитого имущества, ни сундука с рукописями
не изданных еще произведений Булахова. ...»Больного отца и маленькую
пятилетнюю сестру вытащили ученики моего отца», - писала в своих
воспоминаниях Е. Збруева. Последние годы жизни композитор провел в имении
графа С. Шереметева в Кусково, в домике, который в артистической среде
получил название «Булашкиной дачи». Здесь он и скончался. Хоронила
композитора Московская консерватория, которую в те годы возглавлял Н.
Рубинштейн.
Несмотря на тяготы и лишения, жизнь Булахова была наполнена радостью
творчества и дружеского общения со многими видными деятелями искусства.
Среди них были Н. Рубинштейн, известные меценаты П. Третьяков, С. Мамонтов,
С. Шереметев и др. Популярность булаховских романсов и песен во многом была
обусловлена их мелодическим обаянием и благородной простотой выражения.
Характерные интонации русской городской песни и цыганского романса
переплетаются в них с оборотами, типичными для итальянской и французской
оперы; плясовые ритмы, свойственные русской и цыганской песне, соседствуют с
широко распространенными в то время ритмами полонеза и вальса. Вплоть до
наших дней сохранили свою популярность элегия «Не пробуждай воспоминаний» и
лирический романс в ритме полонеза «Гори, гори, моя звезда», романсы в стиле
русских и цыганских песен «Тройка» и «Не хочу»!
Однако над всеми жанрами вокального творчества Булахова господствует
стихия вальса. Вальсовыми оборотами насыщена элегия «Свидание», лирический
романс «Я тебя с годами не забыла», ритмы вальса пронизывают лучшие
сочинения композитора, достаточно вспомнить популярные по сей день «И нет в
мире очей, Нет, не люблю я вас!, Прелестные глазки, Вот на пути село
большое» и др.
Общее количество вокальных произведений П. П. Булахова до сих пор
неизвестно. Это связано как с печальной участью большого количества
сочинений, погибших во время пожара, так и с трудностями в вопросе
установления авторства Петра и Павла Булаховых. Однако те романсы,
принадлежность которых перу П. П. Булахова бесспорна, свидетельствуют о
тонком ощущении поэтической речи и щедром мелодическом таланте композитора -
одного из самых ярких представителей русского бытового романса второй
половины XIX в. /Т. Корженьянц/
БУЛЕЗ (Boulez) Пьер (р. 26 III 1925, Монбризон, деп. Луара)

Если меня спрашивают... что я "хотел сказать" в той или иной поэме, я
отвечаю, что я не хотел сказать, а хотел сделать, и что это энергия делания,
которая хотела того, что я сказал...

П. Валери (Искусство поэзии)

Нельзя недооценивать силу интеллекта; бессознательное искусство
принадлежит прошлому: произведение искусства, принадлежащее эре высочайшей
цивилизации, может быть только продуктом сознания

Р. Вагнер (из письма к Э. Ганслику)

П. Булез - французский композитор, дирижер и теоретик, лидер
музыкального авангарда 50-х гг. Утверждая идеалы современного (т. е.
соответствующего духу новейших научных достижений) искусства, композитор
широко пропагандирует его на фестивалях современной музыки и в звукозаписи.
В юношеские годы Булез увлекался и музыкой, и техникой - отец, крупный
инженер-сталепромышленник, настаивал, чтобы сын пошел по его стопам. Вначале
Булез следует этому совету и оканчивает курс высшей математики в Лионе, но в
1942 г. круто поворачивает свою судьбу. Он поступает в Парижскую
консерваторию к О. Мессиану, и сразу проявляет себя как ищущий, активный
композитор и теоретик. Кроме этого, в 1945-46 гг. он занимается с учеником
А. Шёнберга Р. Лейбовицем - изучает додекафонный метод композиции.
50-60-е гг. связаны с напряженными поисками композитора в области
музыкального языка. В этот период он работает сразу в нескольких
направлениях: выступает как лектор, теоретик и пропагандист идей авангарда
на Летних курсах в Дармштадте (ФРГ), где собирается композиторская молодежь
Европы и Америки, постоянно принимает участие как композитор и исполнитель в
работе Донауэшингенского фестиваля - смотра новейшей музыки. В это время
Булез выдвигается в число ведущих дирижеров мира: признанными считаются его
трактовки «Пеллеаса и Мелизанды» К. Дебюсси, «Весны священной» И.
Стравинского (сам композитор считал исполнение Булеза образцовым). В 1954 г.
Булез основывает серию концертов Domaine musical («В мире музыки»), которая
призвана пропагандировать достижения современной музыки.
Творчество Булеза проходит несколько этапов. Первый этап - ученический,
он охватывает 1945-49 гг. Композитор активно осваивает новейшие техники
композиции, изучает музыку Шёнберга. С присущей ему категоричностью Булез
утверждает в этот период, «что всякий композитор, не прочувствовавший
необходимости атонального музыкального языка, есть НЕЧТО НЕНУЖНОЕ». Он
сочиняет 2 сонаты для фортепиано (1946, 1947), 2 кантаты - «Свадебный лик»
(1946), «Солнце вод» (1947-48), а также экспериментальные Этюды конкретной
музыки (1949).
С начала 50-х гг. Булез начинает разрабатывать идею «музыкального
синтаксиса». В сочинениях этих лет он использует технику «тотального
сериализма» (применяет не только ряды неповторяющихся звуков, но и жестко
программирует динамические, ритмические и др. параметры). Этот
суперрациональный метод композиции использован им в «Книге для квартета»
(1949), «Полифонии X» (1951) и в скандально знаменитых «Структурах» для двух
фортепиано (1961), которые можно назвать предтечами «машинной» музыки. Но не
это было задачей композитора, он продолжает совершенствовать свои методы
композиции, устанавливая все новые соответствия между чувственным и
рациональным, и в 1954 г. создает прославившее его сочинение «Молоток без
мастера» для сопрано и ансамбля инструментов, где виртуозно пользуется
изощренной техникой композиции для выражения основной идеи - бессилия
человека перед вышедшей из-под контроля машинной цивилизацией.
В середине 50-х гг. Булез начинает экспериментировать в области формы.
Он создает «открытую, мобильную» форму, основная идея которой - давать при
каждом новом проигрывании (или прослушивании) новый порядок фрагментов. Этот
принцип получил название алеаторика. Такая композиция встречается в Третьей
сонате для фортепиано (1957, не законч.), во второй части «Структур» и в др.
70-80-е гг. в творчестве Булеза посвящены в основном дирижированию и
музыкальной теории. Почти все свое время он отдает организации Института по
исследованию радиоэлектроники и акустики (IRCAM), где проводит эксперименты
по изучению новых музыкальных реальностей. Композитор исполняет и записывает
много современных произведений. Среди сочинений этого времени - «Ритуал
памяти Б. Мадерны» для оркестра (1976), «Нотации» для оркестра (1978), Булез
продолжает работу над центральным произведением своего творчества «Портретом
Малларме» (в него входят различные пьесы. Малларме - любимый поэт и идейный
вдохновитель творчества Булеза). Булез продолжает широкую просветительскую и
преподавательскую деятельность, читает курсы лекций в различных учебных
заведениях Европы и Америки.
Булез - композитор-теоретик, всю свою жизнь целенаправленно ищущий
средства к выражению современных музыкальных идей. Его музыка не принадлежит
к числу популярных и любимых публикой; наоборот, это скорее лаборатория
исследователя, где рождаются идеи, призванные двинуть далеко вперед
интеллектуальное существо музыкального искусства. /Т. Цареградская/

ВАГНЕР (Wagner) (Вильгельм) Рихард (22 V 1813, Лейпциг - 13 II 1883,
Венеция, похоронен в Байрейте)
Р. Вагнер - крупнейший немецкий композитор XIX столетия, который оказал
значительное влияние на развитие не только музыки европейской традиции, но и
мировой художественной культуры в целом. Вагнер не получил систематического
музыкального образования и в своем становлении как мастера музыки в решающей
мере обязан самому себе. Сравнительно рано обозначились интересы
композитора, всецело сосредоточенные на жанре оперы. Начиная с ранней работы
- романтической оперы «Феи» (1834) и вплоть до музыкальной драмы-мистерии
«Парсифаль» (1882), Вагнер оставался неуклонным приверженцем серьезного
музыкального театра, который его усилиями был преобразован и обновлен.
Вначале Вагнер не помышлял реформировать оперу - он следовал
сложившимся традициям музыкального спектакля, стремился освоить завоевания
своих предшественников. Если в «Феях» образцом для подражания стала немецкая
романтическая опера, столь блистательно представленная «Волшебным стрелком»
К. М. Вебера, то в опере «Запрет любви» (1836) он более ориентировался на
традиции французской комической оперы. Однако эти ранние работы не принесли
ему признания - Вагнер вел в те годы тяжелую жизнь театрального музыканта,
скитавшегося по разным городам Европы. Некоторое время он работал в России,
в немецком театре города Риги (1837-39). Но Вагнера... как и многих его
современников, манила культурная столица тогдашней Европы, какой тогда
повсеместно был признан Париж. Радужные надежды молодого композитора
поблекли, когда он вплотную столкнулся с неприглядной действительностью и
вынужден был вести жизнь бедного музыканта-иностранца, перебивавшегося
случайными заработками. Перемена к лучшему наступила в 1842 г., когда он был
приглашен на должность капельмейстера в прославленный оперный театр столицы
Саксонии - Дрездена. Вагнер наконец получил возможность познакомить
театральную публику со своими сочинениями, и его третья опера «Риенци»
(1840) завоевала прочное признание. И это неудивительно, поскольку моделью
произведения послужила французская большая опера, виднейшими представителями
которой были признанные мастера Г. Спонтини и Дж. Мейербер. К тому же
композитор располагал исполнительскими силами высочайшего ранга - в его
театре выступали такие вокалисты, как тенор И. Тяхачек и великая
певица-актриса В. Шредер-Девриент, прославившаяся в свое время в роли
Леоноры единственной оперы Л. Бетховена «Фиделио».
3 оперы, примыкающие к дрезденскому периоду, связывает немало общего.
Так, в завершенном накануне переезда в Дрезден «Летучем голландце» (1841)
оживает старинная легенда о проклятом за прежние злодеяния моряке-скитальце,
спасти которого может только преданная и чистая любовь. В опере «Тангейзер»
(1845) композитор обратился к средневековому сказанию о певце-миннезингере,
снискавшем благосклонность языческой богини Венеры, но заслужившего за это
проклятие римской церкви. И наконец, в «Лоэнгрине» (1848) - возможно, самой
популярной из вагнеровских опер - предстает светлый рыцарь, сошедший на
землю из небесной обители - святого Грааля, во имя борьбы со злом, клеветой
и несправедливостью.
В этих операх композитор еще тесно связан с традициями романтизма - его
героев раздирают противоречивые побуждения, когда непорочность и чистота
противостоят греховности земных страстей, безграничное доверие - коварству и
измене. С романтизмом связаны и неспешность повествования, когда важны не
столько сами события, сколько те чувства, которые они пробуждают в душе
лирического героя. Отсюда проистекает и столь важная роль развернутых
монологов и диалогов действующих лиц, обнажающих внутреннюю борьбу их
стремлений и побуждений, своего рода «диалектику души» незаурядной
человеческой личности.
Но еще в годы работы на придворной службе у Вагнера зрели новые
замыслы. Толчком к их осуществлению послужила революция, разразившаяся в
ряде стран Европы в 1848 г. и не миновавшая Саксонию. Именно в Дрездене
вспыхнуло вооруженное восстание, направленное против реакционного
монархического режима, которое возглавил друг Вагнера, русский анархист М.
Бакунин. С присущей ему страстностью Вагнер принял активное участие в этом
восстании и после его поражения был вынужден бежать в Швейцарию. Начался
тяжелый период в жизни композитора, но весьма плодотворный для его
творчества.
Вагнер заново продумал и осмыслил свои художественные позиции, более
того, сформулировал основные задачи, которые, по его мнению, стояли перед
искусством, в ряде теоретических работ (среди них особенно важен трактат
«Опера и драма» - 1851). Свои идеи он воплотил в монументальной тетралогии
«Кольцо нибелунга» - главном труде всей его жизни.
Основу грандиозного творения, которое в полном объеме занимает 4
театральных вечера подряд, составили сказания и легенды, восходящие к
языческой древности - германская «Песнь о нибелунгах», скандинавские саги,
входящие в Старшую и Младшую Эдду. Но языческая мифология с ее богами и
героями стала для композитора средством познания и художественного анализа
проблем и противоречий современной ему буржуазной действительности.
Содержание тетралогии, включающей музыкальные драмы «Золото Рейна»
(1854), «Валькирия» (1856), «Зигфрид» (1871) и «Гибель богов» (1874), весьма
многопланово - в операх действуют многочисленные персонажи, вступающие друг
с другом в сложные отношения, порой даже в жестокую, непримиримую борьбу.
Среди них злобный карлик-нибелунг Альберих, похищающий золотой клад у
дочерей Рейна; обладателю клада, сумевшему сковать из него кольцо, обещана
власть над миром. Альбериху противостоит светлый бог Вотан, чье
всемогущество призрачно - он раб заключенных им же самим договоров, на
которых зиждется его владычество. Отняв золотое кольцо у нибелунга, он
навлекает на себя и свой род страшное проклятие, от которого его может
избавить лишь смертный герой, ничем ему не обязанный. Таким героем
становится его же собственный внук - простодушный и бесстрашный Зигфрид. Он
побеждает чудовищного дракона Фафнера, завладевает заветным кольцом,
пробуждает спящую деву-воительницу Брунхильду, окруженную огненным морем, но
погибает, сраженный подлостью и коварством. Вместе с ним гибнет и старый
мир, где царствовали обман, корысть и несправедливость.
Грандиозный замысел Вагнера потребовал совершенно новых, ранее
неслыханных средств воплощения, новой оперной реформы. Композитор почти
полностью отказался от дотоле привычной номерной структуры - от законченных
арий, хоров, ансамблей. Взамен них зазвучали протяженные монологи и диалоги
И действующих лиц, развернутые в бесконечную мелодию. Широкая распевность
слилась в них с декламационностью в вокальных партиях нового типа, в которых
непостижимо объединились певучая кантилена и броская речевая характерность.
Главное свойство вагнеровской оперной реформы связано с особой ролью
оркестра. Он не ограничивается лишь поддержкой вокальной мелодии, но ведет
свою собственную линию, порой даже выступая на передний план. Более того,
оркестр становится носителем смысла действия - именно в нем чаще всего
звучат основные музыкальные темы - лейтмотивы, которые становятся символами
персонажей, ситуаций, и даже отвлеченных идей. Лейтмотивы плавно переходят
друг в друга, сочетаются в одновременном звучании, постоянно видоизменяются,
но каждый раз они узнаются слушателем, прочно усвоившим закрепленное за нами
смысловое значение. В более крупном масштабе вагнеровские музыкальные драмы
разделяются на развернутые, относительно законченные сцены, где возникают
широкие волны эмоциональных подъемов и спадов, нарастаний напряжения и его
разрядки.
Вагнер приступил к осуществлению своего великого замысла еще в годы
швейцарской эмиграции. Но полная невозможность увидеть на сцене плоды своей
титанической, поистине беспримерной по мощи и неустанности работы сломила
даже такого великого труженика - сочинение тетралогии было прервано на
долгие годы. И только нежданный поворот судьбы - поддержка молодого
баварского короля Людвига вдохнула в композитора новые силы и помогла ему
завершить, возможно, самое монументальное из творений искусства музыки,
которое стало результатом усилий одного человека. Для постановки тетралогии
был построен специальный театр в баварском городе Байрейте, где и была
впервые исполнена в 1876г. вся тетралогия именно так, как задумал ее Вагнер.
Помимо «Кольца нибелунга» Вагнер создал во второй половине XIX в. еще 3
капитальных произведения. Это опера «Тристан и Изольда» (1859) -
восторженный гимн вечной любви, воспетой в средневековых сказаниях,
окрашенной тревожными предчувствиями, пронизанной ощущением неизбежности
рокового исхода. И наряду с таким погруженным во тьму сочинением
ослепительный свет народного празднества, увенчавшего оперу «Нюрнбергские
мейстерзингеры» (1867), где в открытом состязании певцов побеждает
достойнейший, отмеченный истинным даром, и посрамляется самодовольная и
тупо-педантичная посредственность. И наконец, последнее творение мастера -
«Парсифаль» (1882) - попытка музыкально и сценически представить утопию
всеобщего братства, где повержена столь с виду несокрушимая власть зла и
воцарилась мудрость, справедливость и чистота. Вагнер занял совершенно
исключительное положение в европейской музыке XIX столетия - трудно назвать
композитора, который не испытал бы его влияния. Открытия Вагнера сказались
на развитии музыкального театра в XX в. - композиторы извлекли из них уроки,
но двинулись затем разными путями, в том числе и противоположными тем, какие
наметил великий немецкий музыкант. /М. Тараканов/
ВАЙНБЕРГ Мечислав Самуилович (р. 8 XII 1919, Варшава)
Имя М. Вайнберга широко известно в музыкальном мире. Д. Шостакович
назвал его одним из выдающихся композиторов современности. Художник большого
и самобытного таланта, глубокого интеллекта, Вайнберг поражает разнообразием
творческих интересов. Сегодня его наследие - это 19 симфоний, 2 симфониетты,
2 камерные симфонии,
7 опер, 4 оперетты, 3 балета, 17 струнных квартетов, Квинтет, 5
инструментальных концертов и множество сонат, музыка к многочисленным кинои
мультфильмам, театральным постановкам... Обращение к поэзии В Шекспира и Ф.
Шиллера, М. Лермонтова и Ф. Тютчева, А. Фета и А. Блока дает представление о
мире камерной лирики композитора. Вайнберга привлекают стихи советских
поэтов - А. Твардовского, С. Галкина, Л. Квитко. Наиболее полно глубина
постижения поэзии отразилась в музыкальном прочтении стихов современника и
соотечественника композитора Ю. Тувима, чьи тексты легли в основу Восьмой
(«Цветы Польши»), Девятой («Уцелевшие строки») симфоний, кантаты Петр
Плаксин, вокальных циклов. Талант композитора многогранен - в своих
сочинениях он поднимается до вершин трагедийности и в то же время создает
блестящие концертные сюиты, полные юмора и изящества комическую оперу
«Любовь д'Артаньяна» и балет «Золотой ключик». Герои его симфоний - философ,
тонкий и нежный лирик, художник, размышляющий о судьбе и назначении
искусства, гневно протестующий против человеконенавистничества и ужасов
фашизма трибун.
В своем искусстве Вайнберг сумел найти особый, неповторимый стиль,
восприняв при этом характерные устремления современной музыки (поворот к
камернизации, неоклассицизм, поиски в области синтеза жанров). Каждое его
сочинение - это глубокие и серьезные, навеянные важнейшими событиями века,
мысли большого художника и гражданина. Вайнберг родился в Варшаве в семье
композитора и скрипача одного из еврейских театров. Заниматься музыкой
мальчик начал в 10 лет, а через несколько месяцев состоялся его дебют как
пианиста-концертмейстера в театре отца. В 12 лет Мечислав - студент
Варшавской консерватории. За восемь лет учебы (Вайнберг закончил
консерваторию в 1939 г., незадолго до начала войны) он блестяще овладел
специальностью пианиста (впоследствии многие свои сочинения разных жанров
композитор будет впервые исполнять сам). В этот период начинают определяться
художественные ориентиры будущего композитора. Во многом этому
способствовала культурная жизнь Варшавы, особенно деятельность
филармонического общества, активно пропагандировавшего западноевропейскую
классику. Наиболее глубокие впечатления оставили выступления таких
выдающихся музыкантов, как А. Рубинштейн, С. Рахманинов, П. Казальс, Ф.
Крейслер, О. Клемперер, Б. Вальтер.
Война резко и трагически изменила жизнь композитора. Погибает вся
семья, сам он в числе беженцев вынужден покинуть Польшу. Второй родиной
Вайнберга становится Советский Союз. Он поселяется в Минске, поступает в
консерваторию на композиторский факультет в класс В. Золотарева, которую
заканчивает в 1941 г. Творческие результаты этих лет - Симфоническая поэма,
Второй квартет, фортепианные пьесы. Но грозные военные события вновь
врываются в жизнь музыканта - он становится свидетелем страшного уничтожения
советской земли. Вайнберг эвакуируется в Ташкент, поступает на работу в
театр оперы и балета. Здесь он пишет Первую симфонию, которой суждено было
сыграть особую роль в судьбе композитора. В 1943 г. Вайнберг пересылает
партитуру Шостаковичу с надеждой узнать его мнение. Ответом был
организованный Дмитрием Дмитриевичем правительственный вызов в Москву. С тех
пор Вайнберг живет и работает в Москве, с того года двух музыкантов связала
крепкая, искренняя дружба. Вайнберг регулярно показывал Шостаковичу все свои
сочинения. Масштабность и глубина концепций, обращение к темам широкого
общественного звучания, философское осмысление таких вечных тем искусства,
как жизнь и смерть, красота, любовь - эти качества музыки Шостаковича
оказались сродни творческим установкам Вайнберга и нашли в его произведениях
оригинальное претворение.
Главная тема искусства Вайнберга - война, смерть и разрушения как
символы зла. Сама жизнь, трагические повороты судьбы заставили композитора
писать о страшных событиях минувшей войны, обращаться «к памяти, а значит, и
к совести каждого из нас». Пропущенные сквозь сознание и душу лирического
героя (за которым, бесспорно, стоит сам автор - человек удивительной
душевной щедрости, мягкости, природной скромности), трагические события
приобрели особый, лирико-философский оттенок. И в этом - индивидуальная
неповторимость всей музыки композитора.
Наиболее рельефно тема войны воплотилась в Третьей (1949), Шестой
(1962), Восьмой (1964), Девятой (1967) симфониях, в симфонической трилогии
«Переступив войны порог» (Семнадцатая - 1984, Восемнадцатая - 1984,
Девятнадцатая - 1985); в кантате «Дневник любви», посвященной памяти детей,
погибших в Освенциме (1965); в Реквиеме (1965); в операх «Пассажирка»
(1968), «Мадонна и солдат» (1970), в ряде квартетов. «Музыка написана кровью
сердца. Она ярка и образна, в ней нет ни одной "пустой", безразличной ноты.
Все пережито и осмыслено композитором, все выражено правдиво, страстно. Я
воспринимаю ее как гимн человеку, гимн интернациональной солидарности людей
против самого страшного в мире зла - фашизма», - эти слова Шостаковича,
относящиеся к опере «Пассажирка», можно с полным правом отнести ко всему
творчеству Вайнберга, они точно раскрывают суть многих его сочинений.
Особой нитью в творчестве Вайнберга проходит тема детства. Воплощенная
в самых разных жанрах, она стала символом нравственной чистоты, правды и
добра, олицетворением человечности, характерной для всей музыки композитора.
С ней смыкается тема искусства как носитель важной для автора идеи вечности
общечеловеческой культуры, нравственных ценностей. Образно-эмоциональный
строй музыки Вайнберга отразился на специфических чертах мелодики, тембровой
драматургии, оркестрового письма. Мелодический стиль вырос на песенной
основе, связанной с фольклором. Интерес к интонационному словарю славянских
и еврейских песен, наиболее сильно проявившийся на рубеже 40-50-х гг. (в это
время Вайнберг пишет симфонические сюиты: «Рапсодию на молдавские темы.
Польские напевы, Рапсодию на славянские темы. Молдавскую рапсодию для
скрипки с оркестром»), сказался на мелодическом своеобразии всех последующих
сочинений. Национальные истоки творчества, в частности еврейские и польские,
определили тембровую палитру произведений. Драматургически наиболее значимые
темы - носители основной идеи произведения - поручаются излюбленным
инструментам - скрипкам или флейтам и кларнетам. Оркестровому письму
Вайнберга присуща графически ясная линеарность в сочетании с камерностью.
Для камерного состава написаны Вторая (1945), Седьмая (1964), Десятая
(1968), симфонии, Вторая симфониетта (1960), две камерные симфонии (1986,
1987).
80-е гг. отмечены созданием целого ряда значительных сочинений,
свидетельствующих о полном расцвете мощного дарования композитора.
Символично, что последнее законченное произведение Вайнберга - опера «Идиот»
по роману Ф. Достоевского - это обращение к сочинению, сверхзадача которого
(«изобразить положительно прекрасного человека, найти идеал») полностью
созвучна идее всего творчества композитора. Каждое его новое
произведение-это еще одно страстное обращение к людям, за каждой музыкальной
концепцией всегда стоит человек «чувствующий, мыслящий, дышащий,
страдающий». /О. Дашевская/
ВАРЛАМОВ Александр Егорович (27 XI 1801, Москва - 27 X 1848, Петербург)
Романсы и песни А. Варламова - яркая страница русской вокальной музыки.
Композитор замечательного мелодического дарования, он создал произведения
большой художественной ценности, завоевавшие редкую популярность. Кому не
известны мелодии песен «Красный сарафан, Вдоль по улице метелица метет» или
романсов «Белеет парус одинокий, На заре ты ее не буди»? По справедливому
замечанию современника, его песни «с чисто русскими мотивами сделались
народными». Знаменитый «Красный сарафан» пелся «всеми сословиями - и в
гостиной вельможи, и в курной избе мужика», и даже был запечатлен в русском
лубке. Музыка Варламова нашла отражение и в художественной литературе:
романсы композитора, как характерный элемент быта, введены в произведения
многих писателей - Н. Гоголя, И. Тургенева, Н. Некрасова, Н. Лескова, И.
Бунина и даже английского автора Дж. Голсуорси (роман «Конец главы»). Но
судьба композитора сложилась менее счастливо, чем судьба его песен.
Варламов родился в небогатой семье. Его музыкальная одаренность
проявилась рано: он самоучкой научился играть на скрипке - подбирал по слуху
народные песни. Красивый, звонкий голос мальчика определил его дальнейшую
судьбу: в 9 лет он был принят в петербургскую Придворную певческую капеллу
малолетним певчим. В этом прославленном хоровом коллективе Варламов
занимался под руководством директора капеллы выдающегося русского
композитора Д. Бортнянского. Вскоре Варламов стал солистом хора, выучился
игре на фортепиано, виолончели, гитаре.
В 1819 г. молодого музыканта посылают в Голландию учителем певчих в
русской посольской церкви в Гааге. Перед юношей открывается мир новых
разнообразных впечатлений: он часто посещает оперу, концерты. даже сам
выступает публично как певец и гитарист. Тогда же, по собственному
признанию, он «нарочито учился теории музыки». По возвращении на родину
(1823) Варламов преподает в петербургской Театральной школе, занимается с
певчими Преображенского и Семеновского полков, затем снова поступает в
Певческую капеллу хористом и учителем. Вскоре в зале Филармонического
общества он дает свой первый в России концерт, где дирижирует симфоническими
и хоровыми произведениями и выступает в качестве певца. Немалую роль сыграли
встречи с М. Глинкой - они способствовали формированию самостоятельных
взглядов молодого музыканта на развитие русского искусства.
В 1832 г. Варламов был приглашен помощником капельмейстера Московских
императорских театров, затем получил место «композитора музыки». Он быстро
вошел в круг московской художественной интеллигенции, в среде которой было
много талантливых людей, разносторонне и ярко одаренных: актеры М. Щепкин,
П. Мочалов; композиторы А. Гурилев, А. Верстовский; поэт Н. Цыганов;
писатели М. Загоскин, Н. Полевой; певец А. Бантышев и др. Их сближало
горячее увлечение музыкой, поэзией, народным искусством.
«Музыке нужна душа», - писал Варламов, - «а у русского она есть,
доказательство - наши народные песни». В эти годы Варламов сочиняет «Красный
сарафан, Ох, болит, да щемит, Что это за сердце, Не шумите, ветры буйные.
Что отуманилась, зоренька ясная» и другие романсы и песни, вошедшие в
«Музыкальный альбом на 1833 год» и прославившие имя композитора. Работая в
театре, Варламов пишет музыку ко многим драматическим постановкам
(«Двумужница» и «Рославлев» А. Шаховского - вторая по роману М. Загоскина;
«Князь Серебряный» по повести «Наезды» А. Бестужева-Марлинского;
«Эсмеральда» по роману «Собор парижской богоматери» В. Гюго, «Гамлет» В.
Шекспира). Постановка шекспировской трагедии была выдающимся событием. О
переводе Полевого, игре Мочалова в роли Гамлета, о песне безумной Офелии
восторженно писал В. Белинский, посетивший этот спектакль 7 раз...
Балет тоже интересовал Варламова. 2 его произведения в этом жанре -
«Забавы султана, или Продавец невольников» и «Хитрый мальчик и людоед»,
написанный совместно с А. Гурьяновым по сказке Ш. Перро «Мальчик-с-пальчик»,
- шли на сцене Большого театра. Композитор хотел написать и оперу - его
увлек сюжет поэмы А. Мицкевича «Конрад Валленрод», но замысел остался
нереализованным.
На протяжении всей жизни не прекращалась исполнительская деятельность
Варламова. Он систематически выступал в концертах, чаще всего как певец.
Композитор обладал небольшим, но красивым по тембру тенором, пение его
отличалось редкой музыкальностью и задушевностью. «Он неподражаемо
высказывал... свои романсы», - замечал один из его друзей.
Варламов был широко известен и как вокальный педагог. Его «Школа пения»
(1840) - первая в России крупная работа в этой области - и сейчас не
утратила своего значения.
Последние 3 года Варламов провел в Петербурге, где надеялся снова
поступить учителем в Певческую капеллу. Желание это не осуществилось, жизнь
складывалась трудно. Широкая известность музыканта не защитила его от
бедности и разочарований. Он умер от туберкулеза в возрасте 47 лет.
Основной, наиболее ценной частью творческого наследия Варламова
являются романсы и песни (ок. 200, включая ансамбли). Круг поэтов очень
широк: А. Пушкин, М. Лермонтов, В. Жуковский, А. Дельвиг, А. Полежаев, А.
Тимофеев, Н. Цыганов. Варламов открывает для русской музыки А. Кольцова, А.
Плещеева, А. Фета, М. Михайлова. Как и А. Даргомыжский, он один из первых
обращается к Лермонтову; его внимание привлекают также переводы из И. В.
Гёте, Г. Гейне, П. Беранже.
Варламов - лирик, певец простых человеческих чувств, его искусство
отражало думы и чаяния современников, было созвучно духовной атмосфере эпохи
1830-х гг. «Жажда бури» в романсе «Белеет парус одинокий» или состояние
трагической обреченности в романсе «Тяжело, не стало силы» - характерные для
Варламова образы-настроения. Веяния времени сказались и в романтической
устремленности, и в эмоциональной открытости варламовской лирики. Диапазон
ее достаточно широк: от светлых, акварельных красок в пейзажном романсе «Я
люблю смотреть в ясну ноченьку» до драматической элегии «Тебя уж нет».
Творчество Варламова неразрывно связано с традициями бытовой музыки, с
народной песней. Глубоко почвенное, оно тонко отражает ее музыкальные
особенности - в языке, в тематике, в образном строе. Многие образы
варламовских романсов, а также ряд музыкальных приемов, связанных прежде
всего с мелодикой, устремлены в будущее, а умение композитора поднимать
бытовую музыку на уровень подлинно профессионального искусства заслуживает
внимания и в наши дни. /Н. Листова/
ВАСИЛЕНКО Сергей Никифорович (30 III 1872, Москва - 11 III 1956, там
же)

 <<<     ΛΛΛ     >>>   

части которой посвящены памяти друзей композитора
Он воспитал многих советских композиторов
Манн великий австрийский композитор г композитора симфония
Мальчик поступает в консерваторию в класс м композиции огромное
В свободныечасы играл дома сочинения широкого круга композиторов от и